fbpx
Saltear al contenido principal
Como Autolanzar Un Single De Guitarra Clásica Con Merce Font – (I) Organización

Como autolanzar un single de guitarra clásica con Merce Font – (I) Organización

PRESENTACIÓN

1. Preséntate para que te conozcan un poco.

Hola! ¡Encantada de estar aquí con Mundo Guitarra! Me llamo Merce Font, vengo de Barcelona y soy guitarrista clásica.

Empecé a estudiar música en una academia en Sant Gervasi, Barcelona, luego hice la carrera en Maastricht (Holanda) con el profesor italiano Carlo Marchione. Terminé mi Master en verano de 2020 con Goran Krivokapic (Montenegro) en Lovaina, Bélgica. Como estudiante, asistí a clases magistrales con muchos artistas destacados como Ricardo Gallén, Marco Socías, Margarita Escarpa, Adriano del Sal, Andrea de Vitis, Jerome Ducharme, Lorenzo Micheli, Duo Montenegrin, Paul Galbraith y Zoran Dukic.

He realizado numerosos recitales de música de cámara y solistas en toda Europa, el compositor irlandés Andrew Shiels me dedicó su suite en tres movimientos titulados Cuarentena a Merce, estrenada el 3 de julio de 2020.

Mi pasión y trabajo es dar recitales como guitarrista solista, pero aparte de eso, también dirijo mi propia academia de guitarra (MFA Online Guitar Academy), dando tutoría a estudiantes de todo el mundo, y tengo un bonito proyecto con Carlo Marchione, al cual contribuimos al repertorio guitarrístico publicando nuevas obras para guitarra cada mes a través de MarchioneMusic Editions, tanto obras nuevas de compositores de hoy en día, como transcripciones inéditas por guitarra de compositores pasados.

Por último,  hago video vlogs documentando un poco mi carrera, videoclips musicales y tutoriales de guitarra en Youtube.

ORGANIZACIÓN

2. El primer paso es la organización. ¿Cuántas horas calcularías que has invertido en este proyecto?, desde que tienes la partitura hasta que está subida.

Calculo que unas 250h mas o menos (tirando para más…) dividido en aproximadamente 3 meses.

3.¿Podrías dividir ese tiempo en planificación, estudio de la obra, grabación y subir la obra a diversas plataformas?

Durante el primer mes el trabajo se dividió en estudio (+-20h) y haciendo grabaciones test (+-80h), que será explicado en más detalle en la siguiente pregunta.

Durante el segundo mes hice la grabación de audio definitiva y la edité (+-25h), completé la masterización (+-12h) y la grabación de video (+-48h). También empecé a producir un poco de material para el marketing que necesitaría para el lanzamiento (+-50h)

Durante el último mes, finalicé el proyecto (+-15h) y preparé toda la parte del lanzamiento (+-70h).

4. ¿Y cuánto tiempo (días, semanas, meses) ha pasado desde que empezaste hasta que lo lanzaste? ¿Cómo te organizaste?

La verdad es que empecé con la idea de hacer un video rápido en Instagram y mientras más tocaba la obra, cada vez me gustaba más, hasta tal punto que la idea de hacer un proyecto entero y bien hecho fue una conclusión que vino muy natural.

Primero tienes el estudio básico de cada movimiento de la obra. Después hice dos grabaciones de prueba (con edición, cortes y todo) para entender cómo terminar el estudio y construir la musicalidad que quería teniendo en cuenta los mejores sitios para cortar en la edición. Como comenté en uno de mis vlogs, para mí estudiar para concierto y estudiar para grabar son dos cosas bastante distintas, ya que la forma de crear el ‘resultado final’ es totalmente distinta.

Ese par de tomas también me ayudan a ver qué tipo de distancias entre micrófonos y posicionamiento dentro del estudio necesito para tener el sonido que me gusta. ¡Eso de la acústica es todo un mundo! Estudiar durante el proceso de grabación para mí se ha vuelto esencial para que el resultado final me guste.

Así que, una vez tengo la segunda grabación hecha y editada, me doy una semana para digerir todos los detalles musicales e incorporarlos naturalmente en mi interpretación, así me facilita el trabajo después, ya que cuantos menos cortes y más fluida sea la interpretación menos trabajo de edición hay.

A la semana, hice la grabación final, con edición y la masterización. Esto me llevó como otra semana entera. Una vez tuve los archivos grabé la parte de video. Yo lo hago todo en mi estudio con una sola cámara, así que tengo que repetir la obra tantas veces como ángulos quiero. La parte de grabar video me llevó 3 días enteros.

Luego viene la parte más lenta de todo, editarlo todo el video y juntarlo. Tenía unas 22 tomas de cada movimiento. Unos 66 videos a procesar y juntar… Si algún lector tiene experiencia con edición de video sabrá la de horas que consume esto. ¡Por suerte, he aprendido bastante bien cómo trabajar con proyectos multicámara, sino aun estaría hoy editando!

Una vez tengo el video y el audio del single listo, mando el single a la distribuidora y ellos se encargan de que esté disponible en streaming en todas las plataformas, así como programar la publicación del video en Youtube. Esto en si es bastante fácil, pero después, entramos en toda la parte del lanzamiento, que dura unas 4 semanas. En esto hablamos de muchas facetas del marketing como la producción de fotos y videos promocionales, calcular costes, planificación y programación de anuncios y publicaciones en las redes que preparen a la audiencia y den a conocer el proyecto (fotos del proceso, videos, directos, etc…). Se dedica mucho tiempo a hacer networking y agendar entrevistas, programar, crear todo el ‘branding’ que sea homogéneo en todas las plataformas que apareces. Preparar newsletters para los suscritores y además yo también publique la partitura a través de MarchioneMusic Editions, así que también hay un poco de trabajo de diseño de portada, preparar escritos (contraportada, prologo, etc..) y preparar la tienda online para que la partitura esté lista para publicar el día del lanzamiento de Quarantine.

La verdad es que hay mil detalles que no menciono por no hacerlo demasiado largo, pero sí que puede ser bastante estresante y, siendo músico, es la parte que más me agota.

OBRA

5. Cuéntanos un poco acerca de la obra. (compositor, contexto, influencias, alguna anécdota, etc.)

Quarantine es una obra escrita por el compositor irlandés Andrew Shiels. A principios de 2020, a medida que el Covid19 se extendía por Europa, los músicos, al igual que el resto, nos sentíamos de repente atrapados y obligados a cambiar nuestras vidas de forma radical, como un mal sueño hecho realidad. En esas circunstancias, muchos se retrajeron en sus carcasas de depresión y negatividad. Por suerte, un día Andrew Shiels me descubrió por internet, viendo que yo estaba trabajando en videos e ideas para ayudar a otros músicos a afrontar la cuarentena y dar un poquito de luz y esperanza a otros quien no sabían que podían hacer para afrontar esta situación.

Andrew me dijo que mi espíritu de supervivencia y positividad lo inspiró a escribir esta obra y así contribuir por su lado, dando una luz de esperanza y belleza en una época en la que tanta gente está sufriendo, tanto en salud como en economía y bienestar psicológico.

Quarantine está compuesta de tres movimientos cortos que relacionan los retos de la paradoja de un mundo de aislamiento compartido. Todos estamos lejos unos de los otros porque debemos quedarnos encerrados en casa y al mismo tiempo, todos estamos juntos en este proceso difícil pero necesario.

La verdad es que me gusta mucho el estilo de la obra porque es de muy fácil escuchar. Así como las harmonías son muy ricas en colores y cambios, la melodía es muy fácil de seguir y atrapar al público en la dramaturgia de la obra.

6. Al ser una obra sin estrenar y sin que la haya tocado nadie antes, ¿Tuviste claro desde el principio cómo querías que sonase en todo momento o te costó elegir entre varias ideas? Ahora que te autoproduces, también tienes que ser la que evalúe el contenido y su calidad.

La verdad es que siempre intento evitar escuchar a otros músicos o guitarristas que tocan obras que quiero tocar, ya que me gusta hacerme una idea de la obra por mi propia experiencia y sin influencias. Así que en este ámbito no cambió nada el hecho de que fuese un estreno. La verdad es que Quarantine cuenta con una claridad melódica muy evidente y eso la hace muy intuitiva para un músico a la hora interpretar. Es como dejar cantar a la guitarra. Como interprete mi trabajo era más dejar la obra sonar con la máxima fluidez y naturalidad que pudiese.

Por lo que respecta producir mis grabaciones en mi propio estudio, sí, es cierto que siempre uno necesita un ‘segundo par de orejas’ para escuchar con claridad y notar errores o cualquier cosa que necesite revisarse. Afortunadamente, fue un trabajo hecho codo con codo con el compositor, así que yo le enviaba cada noche la nueva masterización que hacía hasta que los dos nos convencimos por la versión final, tanto en interpretación como en calidad y características del sonido. Por otra parte, también mandé las varias versiones a músicos que admiro para que me diesen feedback e ir encarrilando el proyecto a un buen nivel de producción. ¡Uno no puede subestimar la cantidad de ideas que te pueden venir de un solo comentario! Así que tener referencias es importante para no perder perspectiva.

Ramón Murcia

Profesor de guitarra e inglés. Indagando sobre la enseñanza, historia, innovación y marketing en la revista Mundo Guitarra.

Esta entrada tiene 0 comentarios

Deja una respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Volver arriba